Staccato dança contemporânea

Lembro ter lido, uma vez, um trecho de um romance do escritor Georges Perec, em que ele decidira não utilizar a letra “e”, a letra mais usada na língua francesa. Ao lado, ele havia deixado uma versão do mesmo texto sem esta restrição desviada dos “e” e recorrendo a palavras que, do contrário, nunca apareceriam. Ítalo Calvino, leitor de Perec, reescreve as palavras de Nietzche (“o que se denomina invenção é sempre um grilhão auto-imposto”) ao afirmar que o jogo só faz sentido com regras de ferro, a auto-imposição de uma disciplina sem sentido transcendente. Tal princípio motiva este Coreografismos. Numa paisagem predominantemente restrita a um quadrado de quatro metros de lado e habitada por cinco bailarinos, pretende-se estabelecer a composição cênica como um exercício sobre a ideia de limitação limitação espacial – a quase totalidade das frases de movimento se inscrevem mesmo num quadrado ainda menor (1m) – e limitação de elementos e regras de composição – a continuidade do fluxo de movimento, o contato das mãos, o trânsito diagonal, a permanência em cena, os arcos desenhados do vocabulário que se contrapõem à angulosidade e à dureza das linhas que, sob os pés, definem o cenário.

• Direção e coreografia
• Paulo Caldas
• Intérpretes / pesquisa de movimento
• Carolina Wiehoff, Natasha Mesquita, Maria Alice Poppe, Paulo Caldas e Toni Rodrigues
• Iluminação
• José Geraldo Furtado
• Técnico de luz
• Luiz Olive
• Músicas
• Chris Lancaster
• Figurinos
• Márcia Poppe
• Produção
• Stacatto / Paulo Caldas

Composição baseada no contato entre dois corpos que pretendem construir uma única going line de movimento.

• Direção e coreografia
• Paulo Caldas
• Intérpretes
• Flávia Meireles, Maria Alice Poppe e Paulo Caldas
• Assistência de coreografia
• Maria Alice Poppe
• Assistência de direção
• Thereza Rocha
• Iluminação
• José Geraldo Furtado
• Músicas
• W. Mertens / BO Harwood / Erkki-Sven Tüür
• Figurino
• Thereza Rocha
• Produção
• Staccato / Paulo Caldas

Foi uma investigação sobre certos procedimentos próprios à linguagem cinematográfica, e sobre o modo com que poderiam reaparecer na cena coreográfica que se construiu este díptico de dança, e foi pelo reconhecimento do lugar da luz na constituição da imagem no cinema que ela – a luz – acabou por se tornar seu ligthmotiv. Da condição de díptico decorre o fato de que o sentido das expressões que nomeiam cada uma das partes deste espetáculo se estenda também à outra. “Ritornelo”- título da primeira peça – remete ao exercício sobre a repetição, que atravessa os movimentos e as imagens como um verdadeiro princípio dramatúrgico; “Camarescura”- título da segunda – remete, de um lado, ao cinema a câmara obscura como o aparato em que se projetaram, há séculos, as primeiras imagens luminosas do mundo (a câmera cinematográfica é, pode-se dizer, uma variedade de câmara escura); e de outro, remete ao barroco, por sua predileção pelos interiores, onde um novo regime de luz pôde constuir formas inseparavelmente claras e escuras, formas de contornos rigorosamente indefinidos.